Оглавление
3#2009
Оглавление
Архитектура и строительство
Бизнес Самарской области
Города и районы Самарской области
Гражданское общество
Женское дело
Культура Самарской области
Летопись Самарской губернии
Национальный проект. Образование
Новые проекты
Поколение
Спорт Самарской области
Фестиваль
Экология

Наш современник Николай Васильевич Гоголь

— Самара
 

Сцена из спектакля

В нынешнем году исполнилось 200 лет со дня рождения Николая Васильевича Гоголя. Более яркий и значительный юбилей, и не только в масштабах страны, пожалуй, трудно представить – таков уж масштаб личности писателя.

По нынешним временам пышные празднества не в чести. Вот и в театральной Самаре к юбилею Гоголя специально ничего не готовилось. Исключением стал муниципальный театр «Камерная сцена», выпустивший гоголевскую премьеру – «Повесть о том, как поссорился Иван Иванович с Иваном Никифоровичем». И тем не менее гоголевский юбилей не застал самарские театры врасплох. Сегодня в городской афише несколько интересных спектаклей по произведениям писателя. Они поставлены в разные годы разными режиссерами и, что замечательно, не похожи один на другой по своей стилистике.

Старейшей по возрасту является «фантазия на буколическую тему» «Старосветская любовь» – спектакль академического театра драмы, премьера которого состоялась в марте 1998 года. Автор театральной версии повести «Старосветские помещики» и постановщик – санкт-петербуржский режиссер Георгий Васильев, работавший над спектаклем со своими земляками художником Эмилем Капелюшем и композитором Валерием Пигузовым. Эту камерную, решенную в традициях русского психологического театра постановку отличает по-особому мягкая, душевная атмосфера. Неизменные исполнители главных ролей Афанасия Ивановича и Пульхерии Ивановны – Иван Морозов и Елена Лазарева. В марте нынешнего года они сыграли спектакль в сотый раз.

Еще один безусловно гоголевский спектакль в репертуаре академической драмы – «Панночка» Нины Садур, сочинившей свою пьесу по мотивам «Вия». Спектакль, поставленный в 2008 году санкт-петербуржцами режиссером Львом Стукаловым и художником Александром Орловым, отличает яркая зрелищность. По признанию режиссера, который уже не раз обращался к «Панночке», его привлекает прежде всего поэтическое начало, заключенное в пьесе. Этим поэтическим «вирусом» Стукалов сумел заразить и занятых в спектакле актеров.

Образ спектакля и его персонажи – как бы из традиционных украинских балаганных представлений. Это проявляется и в сочной театральности их сценического поведения, и во внешнем облике, и в костюмах, вобравших, кажется, все самое характерное для традиционной казацкой атрибутики. Особо хочется отметить, как на удивление слаженно, правда, излишне старательно «спивають» они украинские песни. Действие приподнято над бытом, овеяно поэтическим флером. Оно развивается отнюдь не стремительно. Скорее это череда этюдов, в каждом из которых раскрываются те или иные грани характеров героев, их отношение к происходящему.

Обитатели затерявшегося в бескрайних степных просторах хутора – разновозрастная троица казаков и «нестарая еще бабенка» Хвеська – вполне земные персонажи с присущими каждому индивидуальными «особинками» в характерах, внешности, поведении и манере говорить. Не оторвать глаз от старого казака Явтуха – Александра Амелина – этакого уважаемого всеми Тараса Бульбы, в натуре которого южная мягкость и добродушие соседствуют с упрямством и лукавством, от «казака средних лет» Спирида – Олега Белова и молодого казака – Виталия Жигалина. В каждом из них по воле режиссера тонкая характерность сочетается с обезоруживающими искренностью, непосредственностью и наивом. Комедийный и в то же время исполненный простых человеческих чувств образ Хвеськи – удача молодой артистки Альбины Шакировой. В манере игры актеров нет намеренного комикования, нажима. Они естественны в подчас экстравагантных проявлениях эмоций, во взаимоотношениях друг с другом.

Беззаботно «скользя» по жизни, наслаждаясь ею, гоголевские персонажи блаженствуют под жаркими лучами южного солнца, и для ощущения полного счастья и жизненного комфорта их разгоряченному непомерными возлияниями воображению недостает, пожалуй, только одного – настоящего чуда. О нем-то они и сокрушаются на все лады, как бы «накликая» его в конечном счете своими пересудами.

Оборотная сторона бытия как некая реальность предстает только молодому бурсаку Хоме Бруту. Это, пожалуй, самый сложный характер в спектакле. Наивный, доверчивый, Хома душой своей открыт жизни, людям. Однако ж, его натуре не чужда и подлинная страсть. Есть в Хоме и драматизм, связанный с необходимостью сделать выбор, и некий трагический мотив человеческого одиночества, обреченности перед роком, противостоять которому у него нет сил. По существу же это неспособность Хомы преодолеть жизненные соблазны. Не устояв перед ними в реальной жизни, он становится их жертвой в потустороннем «зазеркалье», отражающем темные закоулки человеческой души. Поддавшись чарам Панночки и по существу продав душу дьяволу, Хома обрек себя на погибель. Артисту Денису Евневичу, играющему эту роль, удалось убедительно передать и изначальную непосредственность своего героя, и постепенно проступающее в нем трагическое начало. Что касается Панночки – Натальи Ионовой, то она способна окрутить кого угодно. Перед ее загадочной красотой и манящей грацией устоять невозможно, так что бедный Хома с самого начала был обречен.

Разительным контрастом мрачному исходу судьбы Хомы Брута становится открывающееся в финале ослепительно белое сценическое пространство, как бы насквозь пронизанное солнцем: жизнь продолжается, ей радуются взрослые и дети. Откуда-то сверху низвергается яблочный дождь, звучит веселая музыка. Что говорить, жизнь прекрасна, но, сознавая это, не стоит поддаваться искушению и, потакая собственным слабостям, преступать заветные пределы, которые у каждого человека свои. Поставленный Львом Стукаловым спектакль, как показалось, и об этом тоже.

В 2006 году гоголевским спектаклем «Сконапель истоар» открылся новый самарский театр «Актерский дом». Название спектакля по мотивам поэмы «Мертвые души» – русская транскрипция имеющегося в гоголевском тексте французского словосочетания «c’est qu’on appelie histoire», в переводе – «что называется, история». Эту «что называется, историю» по мотивам поэмы Гоголя рассказал режиссер-постановщик Олег Скивко, обозначив жанр спектакля как авантюрную драму.

Его спектакль – сугубо камерный по своей сути. В нем занято всего три исполнителя, «охватывающие» практически весь круг основных гоголевских персонажей. Лаконично оформление: единая сценическая установка, которая по ходу действия благодаря подключению зрительской фантазии преобразуется и в бричку, и во все что угодно.

Спектакль не имеет конкретной исторической привязки. Во многих сценах персонажи выглядят вполне современно, они читают газету «Коммерсантъ». Этим как бы подчеркивается вневременная суть событий, о которых поведал нам Николай Гоголь.

Скивко удалось выявить не только наиболее характерное, присущее творческой индивидуальности занятых в спектакле актеров академической драмы Олега Белова, Александра Марушева и Владимира Сухова, но и в какой-то мере по-новому представить каждого из них. Только Марушев на протяжении всего действия предстает в одном образе – Чичикова. Этот персонаж вовсе не похож на благообразного полнеющего господина, каковым он представлен у Гоголя, а вполне современный, циничный, внешне жестковатый, с проницательным острым взором человек, хорошо знающий, чего он хочет. «Крестьянское» начало спектакля воплощает Сухов, изображающий не только Селифана, но и несколько других возникающих по ходу действия персонажей. Игру Сухова в этом спектакле отличают обстоятельность, точность и тщательность проработки деталей образов, делающих их по-особому выпуклыми и сочными.

Разнообразны сценические метаморфозы Белова – ему одному досталась вся галерея знаменитых гоголевских помещиков, встречающихся на пути Чичикова. Актер еще раз продемонстрировал свою удивительную способность к сценическому перевоплощению, умение несколькими штрихами убедительно и в то же время непринужденно и без нажима нарисовать порою самый эксцентричный характер.

В прошлом, 2008 году, в афише театра юного зрителя «СамАрт» появился «Ревизор». Режиссер-постановщик Александр Кузин остался верен своему кредо, в основе которого традиции российского психологического театра. В его спектакле как всегда главное не трюк, а подлинность актерского переживания, потому что, если такое переживание есть, оно непременно заденет за живое зрителя.

Спектакль абсолютно современен по своему стремительному, вихревому, не оставляющему места второстепенным деталям и обстоятельствам, темпоритму, по оригинальной, остроумной постановочной «механике», которая позволяет с молниеносной, кинематографической быстротой осуществлять сценические перемены, по лаконичному и в то же время стильному, без излишеств и украшательств оформлению.

Кузин отошел от подчеркнутой внешней характерности, смачного обыгрывания деталей поведения, повадок и внешних примет героев гоголевской комедии. В их речи отсутствует нарочитость интонаций, комический нажим. В действие привнесена жесткость, подчас даже жестокость с явным намеком на сегодняшний день. Достаточно вспомнить жутковатую сцену избиения купца Абдулина Мишками, так в программке обобщенно названа тройка бравых молодцев - слуг городничего, которые вполне могли бы быть теперешними охранниками у крутого хозяина, или расправу над недотепами Добчинским и Бобчинским.

Для режиссера-постановщика и актеров главным является раскрытие внутренней сущности персонажей, и в этом удалось многого добиться. Не секрет, что «Ревизора» часто ставят на определенного актера – исполнителя роли Хлестакова, реже – Городничего. Так было и в этот раз. На роль мелкого чиновника из Петербурга, которого по недоразумению и со страшного перепугу приняли за важную птицу, был заведомо определен Павел Маркелов. Талантливый молодой актер блестяще справился с ролью Хлестакова, которая на сегодняшний день, пожалуй, лучшая в его творческой биографии.

Поведение Хлестакова-Маркелова – череда хаотичных, ничем не мотивированных поступков, а слова вылетают из его уст как бы сами собой. И при всем при этом он абсолютно искренен, чистосердечен и прост, как того и желал автор. Замечательны отделанная до мелочей пластика артиста, его сценическая свобода и внутренняя раскрепощенность.

В спектакле целая череда прекрасных актерских работ, благодаря чему в совершенно неожиданном - и не только в традиционном острохарактерном - ключе, раскрылись и другие персонажи пьесы.

Они достаточно индивидуальны и в меру комичны.

«Ревизор» на сегодняшний день, пожалуй, самый сильный на самарских подмостках гоголевский спектакль. Не случайно на конкурсе «Самарская театральная муза» он признан лучшим драматическим спектаклем года, а Павел Маркелов, Денис Бокурадзе и Дмитрий Добряков названы лучшими в конкурсных номинациях.

«Повесть о том, как поссорился Иван Иванович с Иваном Никифоровичем» – комедию в одном действии по мотивам одноименной повести в театре «Камерная сцена» поставила его художественный руководитель Софья Рубина. Она же является и автором инсценировки.

По этой повести можно создать этнографически точный спектакль, ярко живописующий украинский быт, своеобразие и неповторимую характерность гоголевских персонажей. Софья Рубина подошла к гоголевскому сюжету «с другой стороны»: она и ее коллеги, по собственному признанию, решили «похулиганить».

В спектакле изначально как бы размыты временные рамки действия, которое в равной степени можно отнести и к стародавним временам, и к нашим дням. Такой подход предполагает не только вальяжную раскованность в режиссуре, в приемах актерской игры и в создании визуальных картин сценического действия, но и служит оправданием элементов стилевой эклектики во всех компонентах спектакля. И она присутствует в сценографии и костюмах московского художника Марии Митрофановой, в музыкальном оформлении Леонида Вохмянина, в лаконичных хореографических этюдах Надежды Малыгиной, наконец, в манере подачи исполнителями авторского текста.

В результате гоголевский сюжет предстал в необычном ракурсе. Мы видим вполне современных людей, по существу в современном антураже. Во всем этом немало откровенного шутовства, ироничной символики. Так, легко перемещаемый на колесиках плетень, который разделяет подворья главных героев, сделан из разноцветных лыжных полозьев. На сцене – пляжные шезлонги и зонтики, повсюду ярко раскрашенные детские надувные фигурки, а злополучное ружье, предмет бесконечных дискуссий Ивана Ивановича и Ивана Никифоровича, не что иное, как игрушечный пластмассовый автомат с прилавка «Детского мира».

В спектакле изначально подчеркнуто противостояние не просто главных героев, а представителей двух национальностей: русского Ивана Ивановича и «щырого» украинца Ивана Никифоровича. И говорит каждый из них на своем языке.

Пустяковый повод, вызвавший ссору двух некогда неразлучных друзей, обретает в спектакле откровенно современный подтекст, наводя на мысль об изначальной несостоятельности искусственно раздуваемых на наших глазах политических конфликтов.

На сцене все время что-то происходит, психологические паузы практически отсутствуют. У актеров много слов, но они звучат подчас излишне механистично, хотя и без запинок. Не помешало бы больше интонационной выразительности, концентрации внимания на красотах того, что слетает с уст. Что касается придумки режиссера, заставившего некоторых персонажей изъясняться по-украински, то само по себе это вполне оправдано, придает действию особый шарм.

По ходу действия много и хорошо поют. Спектакль отличает упругий темпоритм, он решен в мажорном, ироничном ключе, что вполне соответствует характеру большей части гоголевского повествования.

В небольшом предисловии, предпосланном второму изданию повести, Гоголь, возможно, из цензурных соображений, сообщает, что описанное в ней происшествие относится к очень давнему времени и к тому же – совершенная выдумка. Однако эта выдумка гения – на все времена. То же относится и ко всему творчеству писателя, которое и сегодня, в начале третьего тысячелетия, не утратило своей притягательности и современного звучания.

 

Автор: Валерий Иванов


Автор:Валерий Иванов